jueves, 15 de marzo de 2012
Ensayo arte medieval
Alumna:Mayra Guadalupe Gallardo Bonilla.
En el arte de la Edad Media, debemos reconocer la gran influencia religiosa, de una Iglesia detentadora de un inmenso poder, que lograda la anhelada paz y la prosperidad económica, a partir del siglo XI y hasta el siglo XIV pugnó por la construcción de iglesias y monasterios. Aunque en menor medida, se construyeron también edificios civiles.
Debemos reconocer dos estilos diferentes, en esta etapa de florecimiento: el románico y el gótico, pudiendo señalar en común, que los arquitectos medievales construían para la eternidad. La calidad de sus obras, perduran como legado histórico.
Son construcciones sólidas y colosales, aunque sobrias, donde se destacan los arcos de medio punto, semicírculos ubicados sobre todo en los arcos y las bóvedas. Estas eran generalmente de piedra y cubrían las naves de las iglesias. Debido a su peso, los muros que las sostenían eran gruesos y con escasas aberturas, para lograr su solidez.
Las fachadas tenían torres, generalmente doble. En el interior, el pilar de base en forma de cruz sustituye a la columna..
Los portales de acceso y los capiteles de las columnas, poseían imágenes esculpidas y las pinturas mostraban pasajes bíblicos con fines didácticos. Son sus temas: las luchas entre el bien y el mal y el juicio final. Las figuras son representadas simbólicamente. Por ejemplo, Cristo, con los ojos muy abiertos, clavado rígido en la cruz. Las esculturas románicas se subordinaban a las exigencias arquitectónicas.
Desde Francia, en el siglo XIII, se expandió por Europa el arte gótico, llamado así, por el historiador renacentista, Giorgio Vasari, por considerarlo como creación de los godos, también religioso, pero que coincide con el florecimiento de la vida urbana.
Liberadas las ciudades del poder feudal, muchos edificios civiles exponen esta forma artística, como los castillos y las lonjas, sitio donde se reunían los mercaderes.
La rigidez del arte románico, deja paso a un arte más humanístico.
La altura de las iglesias al principio no fue tan elevada, ya que las pesadas bóvedas no descansaban más que en las paredes laterales.
Con la aparición de la bóveda de crucería, sostenida por pilares, y apuntaladas por arbotantes y contrafuertes, las naves comenzaron a ser cada vez más altas, provistas de grandes ventanales, que transformaban a los edificios en sitios luminosos, además de sumamente bellos, ya que sus ventanas, en las que se utilizaba el arco apuntado u ojival, fueron decoradas con vitrales, vidrios de colores que otorgaban a la luz natural un matiz especial y mágico.
Se podría decir que es una arte muy impresionante ya que posee grandes dimensiones dentro de
En el arte de la Edad Media, debemos reconocer la gran influencia religiosa, de una Iglesia detentadora de un inmenso poder, que lograda la anhelada paz y la prosperidad económica, a partir del siglo XI y hasta el siglo XIV pugnó por la construcción de iglesias y monasterios. Aunque en menor medida, se construyeron también edificios civiles.
Debemos reconocer dos estilos diferentes, en esta etapa de florecimiento: el románico y el gótico, pudiendo señalar en común, que los arquitectos medievales construían para la eternidad. La calidad de sus obras, perduran como legado histórico.
Son construcciones sólidas y colosales, aunque sobrias, donde se destacan los arcos de medio punto, semicírculos ubicados sobre todo en los arcos y las bóvedas. Estas eran generalmente de piedra y cubrían las naves de las iglesias. Debido a su peso, los muros que las sostenían eran gruesos y con escasas aberturas, para lograr su solidez.
Las fachadas tenían torres, generalmente doble. En el interior, el pilar de base en forma de cruz sustituye a la columna..
Los portales de acceso y los capiteles de las columnas, poseían imágenes esculpidas y las pinturas mostraban pasajes bíblicos con fines didácticos. Son sus temas: las luchas entre el bien y el mal y el juicio final. Las figuras son representadas simbólicamente. Por ejemplo, Cristo, con los ojos muy abiertos, clavado rígido en la cruz. Las esculturas románicas se subordinaban a las exigencias arquitectónicas.
Desde Francia, en el siglo XIII, se expandió por Europa el arte gótico, llamado así, por el historiador renacentista, Giorgio Vasari, por considerarlo como creación de los godos, también religioso, pero que coincide con el florecimiento de la vida urbana.
Liberadas las ciudades del poder feudal, muchos edificios civiles exponen esta forma artística, como los castillos y las lonjas, sitio donde se reunían los mercaderes.
La rigidez del arte románico, deja paso a un arte más humanístico.
La altura de las iglesias al principio no fue tan elevada, ya que las pesadas bóvedas no descansaban más que en las paredes laterales.
Con la aparición de la bóveda de crucería, sostenida por pilares, y apuntaladas por arbotantes y contrafuertes, las naves comenzaron a ser cada vez más altas, provistas de grandes ventanales, que transformaban a los edificios en sitios luminosos, además de sumamente bellos, ya que sus ventanas, en las que se utilizaba el arco apuntado u ojival, fueron decoradas con vitrales, vidrios de colores que otorgaban a la luz natural un matiz especial y mágico.
Se podría decir que es una arte muy impresionante ya que posee grandes dimensiones dentro de
ENSAYO RENACIMIENTO
ALUMNA: Mayra Guadalupe Gallardo Bonilla.
El Renacimiento es el movimiento cultural y artístico iniciado en Italia en el siglo XV que dirige sus ojos al clasicismo romano y al hombre como centro de las cosas, superada la tradición teocéntrica medieval.
No es de extrañar que sea en Italia donde se produce tal proceso pues el impresionante legado del viejo imperio romano estuvo presente incluso en plena época medieval y el mundo italiano nunca se llegó a desapegar del todo, como demuestra, incluso, su arte románico peculiar.
El trasvase de la cultura y arte del Renacimiento al resto de Europa fue lento y desigual y para lo que centra nuestro interés, el arte en España, podemos decir que sus primeras manifestaciones comienzan en la penúltima década del siglo XV y se finaliza en los primeros años del siglo XVII.
• CARACTERISTICAS
- Se pretendía especialmente en el siglo XV y XVI alcanzar la meta de convertirse en el hombre universal versado en muchas disciplinas, ideas que corresponde a algunos elegidos como Brunelleschi Ghiberti, León Batista Alberti, Francesco Di Giorgio, Donato Bramante, Leonardo Da Vinci, Miguel Ángel Buonarroti y otros. En su mayoría eran arquitectos.
- Los pintores y escultores ganarían su reconocimiento al no ser considerados artesanos normales, en la clasificación medieval de la pintura, escultura, estas serian artes “mecánicas” no liberales condicionalmente las artes liberales se enseñaban en las universidades, entre ellas se destacan las disciplinas elementales como la gramática, lógica y retórica y las mas elevadas como aritmética, geometría, música y astronomía. La importancia de una formación elevada para los pintores y escultores la destacaría Ghilberti que sostenía que debían estudiar gramática, geometría, aritmética, astronomía, filosofía, historia, medicina, anatomía, perspectiva y “diseño teórico”.
- Surge el individualismo, el hombre se reconoce como individuo espiritual y como indicio de la creciente conciencia de si mismos que cobran los hombrea del siglo XVIes decir toma lo humanismo.
- Los artitas recibían encargos de príncipes, que actuaban como regentes del Estado. Ya que jugaban un papel muy importante en las pinturas.
El Renacimiento es el movimiento cultural y artístico iniciado en Italia en el siglo XV que dirige sus ojos al clasicismo romano y al hombre como centro de las cosas, superada la tradición teocéntrica medieval.
No es de extrañar que sea en Italia donde se produce tal proceso pues el impresionante legado del viejo imperio romano estuvo presente incluso en plena época medieval y el mundo italiano nunca se llegó a desapegar del todo, como demuestra, incluso, su arte románico peculiar.
El trasvase de la cultura y arte del Renacimiento al resto de Europa fue lento y desigual y para lo que centra nuestro interés, el arte en España, podemos decir que sus primeras manifestaciones comienzan en la penúltima década del siglo XV y se finaliza en los primeros años del siglo XVII.
• CARACTERISTICAS
- Se pretendía especialmente en el siglo XV y XVI alcanzar la meta de convertirse en el hombre universal versado en muchas disciplinas, ideas que corresponde a algunos elegidos como Brunelleschi Ghiberti, León Batista Alberti, Francesco Di Giorgio, Donato Bramante, Leonardo Da Vinci, Miguel Ángel Buonarroti y otros. En su mayoría eran arquitectos.
- Los pintores y escultores ganarían su reconocimiento al no ser considerados artesanos normales, en la clasificación medieval de la pintura, escultura, estas serian artes “mecánicas” no liberales condicionalmente las artes liberales se enseñaban en las universidades, entre ellas se destacan las disciplinas elementales como la gramática, lógica y retórica y las mas elevadas como aritmética, geometría, música y astronomía. La importancia de una formación elevada para los pintores y escultores la destacaría Ghilberti que sostenía que debían estudiar gramática, geometría, aritmética, astronomía, filosofía, historia, medicina, anatomía, perspectiva y “diseño teórico”.
- Surge el individualismo, el hombre se reconoce como individuo espiritual y como indicio de la creciente conciencia de si mismos que cobran los hombrea del siglo XVIes decir toma lo humanismo.
- Los artitas recibían encargos de príncipes, que actuaban como regentes del Estado. Ya que jugaban un papel muy importante en las pinturas.
ultima cena..¡¡
Alumana : karla rosario romero cortina
Perspectiva: Uno de los elementos que más llama la atención y que más fue aplaudido por los pintores de su época es la perspectiva, tanto en el fondo como en los propios personajes, todos ellos en movimiento e individualizados. La escena transcurre en una sala cerrada, con un tejado plano de casetones, al estilo clásico, y al fondo unas grandes vidrieras de donde emana la luz que incide en todos los personajes. Sin embargo, hay una luz frontal, que sobre todo incide en Jesús, en el centro de la composición.
Representacion: La afirmación de Jesús "uno de vosotros me traicionará" causa consternación en los doce seguidores de Jesús, y ese es el momento que Leonardo representa, intentando reflejar "los movimientos del alma", las distintas reacciones de cada uno de los doce apóstoles: unos se asombran, otros se levantan porque no han oído bien, otros se espantan y, finalmente, Judas retrocede al sentirse aludido.
La grandeza del autor reside en plasmar el momento en el que Jesús explica que entre sus allegados hay un traidor, por lo que cada uno de ellos responde de una forma distinta, dando mucho movimiento y expresión a la representación.
Composicion: Se trata de una composición simétrica, con un punto de referencia que es Jesucristo en el centro de la mesa y rodeado por sus apóstoles. Una fuerte línea horizontal marca la escena, que es la mesa de mantel blanco, incidiendo en el carácter de tranquilidad y sosiego de la misma. Asimismo, las líneas diagonales hasta el fondo de la sala añaden movimiento y profundidad de campo a la misma, aumentando su realismo
Perspectiva: Uno de los elementos que más llama la atención y que más fue aplaudido por los pintores de su época es la perspectiva, tanto en el fondo como en los propios personajes, todos ellos en movimiento e individualizados. La escena transcurre en una sala cerrada, con un tejado plano de casetones, al estilo clásico, y al fondo unas grandes vidrieras de donde emana la luz que incide en todos los personajes. Sin embargo, hay una luz frontal, que sobre todo incide en Jesús, en el centro de la composición.
Representacion: La afirmación de Jesús "uno de vosotros me traicionará" causa consternación en los doce seguidores de Jesús, y ese es el momento que Leonardo representa, intentando reflejar "los movimientos del alma", las distintas reacciones de cada uno de los doce apóstoles: unos se asombran, otros se levantan porque no han oído bien, otros se espantan y, finalmente, Judas retrocede al sentirse aludido.
La grandeza del autor reside en plasmar el momento en el que Jesús explica que entre sus allegados hay un traidor, por lo que cada uno de ellos responde de una forma distinta, dando mucho movimiento y expresión a la representación.
Composicion: Se trata de una composición simétrica, con un punto de referencia que es Jesucristo en el centro de la mesa y rodeado por sus apóstoles. Una fuerte línea horizontal marca la escena, que es la mesa de mantel blanco, incidiendo en el carácter de tranquilidad y sosiego de la misma. Asimismo, las líneas diagonales hasta el fondo de la sala añaden movimiento y profundidad de campo a la misma, aumentando su realismo
la mona lisa..¡
alumna: LUISA ALEMIR OLIVARES VEGA
La mona lisa es un retrato del pintor Leonardo da vinci es una pintura al oleo en un panel de alamo esta fue hecha en los años de 1503-1519, mide 77 cm x 53 cm y fue adquirida por el rey francisco I de Francia….
La mona lisa tiene una Mirada de reojo, labios finos, cejas y pestañas ausentes, manos grandes, sonrisa imposible de describir, ya que esto ha sido lo q mas ha atraído a la gente ya que no saben si esta sonriendo o no, La posición de las manos sobre el vientre, la serenidad del rostro, los dedos hinchados la fundamentan. otra cosa importante de este retrato es que vista de diferentes ángulos la mona lisa tiene su mirada dirigida a todas partes (parece que siempre te ve)
Se dice que el verdadero nombre de la mona lisa era de Lisa Gherardini o mejor conocida como la esposa de Francesco del Giocondo. Esta pintura siempre será un misterio ya que tiene varias cosas ocultas que a las personas llama la atención.
Actualmente la pintura es una exhibición permanente en el Museo del Louvre
en París.
La mona lisa es un retrato del pintor Leonardo da vinci es una pintura al oleo en un panel de alamo esta fue hecha en los años de 1503-1519, mide 77 cm x 53 cm y fue adquirida por el rey francisco I de Francia….
La mona lisa tiene una Mirada de reojo, labios finos, cejas y pestañas ausentes, manos grandes, sonrisa imposible de describir, ya que esto ha sido lo q mas ha atraído a la gente ya que no saben si esta sonriendo o no, La posición de las manos sobre el vientre, la serenidad del rostro, los dedos hinchados la fundamentan. otra cosa importante de este retrato es que vista de diferentes ángulos la mona lisa tiene su mirada dirigida a todas partes (parece que siempre te ve)
Se dice que el verdadero nombre de la mona lisa era de Lisa Gherardini o mejor conocida como la esposa de Francesco del Giocondo. Esta pintura siempre será un misterio ya que tiene varias cosas ocultas que a las personas llama la atención.
Actualmente la pintura es una exhibición permanente en el Museo del Louvre
en París.
ENSAYO RENACIMIENTO
ALUMNA: karla rosario romero cortina
El Renacimiento es el movimiento cultural y artístico iniciado en Italia en el siglo XV que dirige sus ojos al clasicismo romano y al hombre como centro de las cosas, superada la tradición teocéntrica medieval.
No es de extrañar que sea en Italia donde se produce tal proceso pues el impresionante legado del viejo imperio romano estuvo presente incluso en plena época medieval y el mundo italiano nunca se llegó a desapegar del todo, como demuestra, incluso, su arte románico peculiar.
El trasvase de la cultura y arte del Renacimiento al resto de Europa fue lento y desigual y para lo que centra nuestro interés, el arte en España, podemos decir que sus primeras manifestaciones comienzan en la penúltima década del siglo XV y se finaliza en los primeros años del siglo XVII.
• PRINCIPALES CARACTERISTICAS
• Se pretendía especialmente en el siglo XV y XVI alcanzar la meta de convertirse en el hombre universal versado en muchas disciplinas, ideas que corresponde a algunos elegidos como Brunelleschi Ghiberti, León Batista Alberti, Francesco Di Giorgio, Donato Bramante, Leonardo Da Vinci, Miguel Ángel Buonarroti y otros. En su mayoría eran arquitectos.
• Los pintores y escultores ganarían su reconocimiento al no ser considerados artesanos normales, en la clasificación medieval de la pintura, escultura, estas serian artes “mecánicas” no liberales condicionalmente las artes liberales se enseñaban en las universidades, entre ellas se destacan las disciplinas elementales como la gramática, lógica y retórica y las mas elevadas como aritmética, geometría, música y astronomía. La importancia de una formación elevada para los pintores y escultores la destacaría Ghilberti que sostenía que debían estudiar gramática, geometría, aritmética, astronomía, filosofía, historia, medicina, anatomía, perspectiva y “diseño teórico”.
• Surge el individualismo, el hombre se reconoce como individuo espiritual y como indicio de la creciente conciencia de si mismos que cobran los hombrea del siglo XVI, toma reanimación, la pintura de retratos donde príncipes, nobles y miembros del alto clero se hacen retratar y también miembros de la burguesía como los comerciantes, los banqueros, artesanos y eruditos humanistas e inclusive los artistas que lograron ganarse el reconocimiento de la sociedad y gozar de sus privilegios.
• Los artitas recibían encargos de príncipes, que actuaban como regentes del Estado. Estos encargos podían llegar a convertirse en oportunidades de empleo fijo como Da vinci en Milán. Este empleo tendrá dos caras, dado que la mayor seguridad económica y aumento de prestigio estaba concadenada a obligaciones de presencia y dependencia en lo referido a la ejecución del trabajo.
El Renacimiento es el movimiento cultural y artístico iniciado en Italia en el siglo XV que dirige sus ojos al clasicismo romano y al hombre como centro de las cosas, superada la tradición teocéntrica medieval.
No es de extrañar que sea en Italia donde se produce tal proceso pues el impresionante legado del viejo imperio romano estuvo presente incluso en plena época medieval y el mundo italiano nunca se llegó a desapegar del todo, como demuestra, incluso, su arte románico peculiar.
El trasvase de la cultura y arte del Renacimiento al resto de Europa fue lento y desigual y para lo que centra nuestro interés, el arte en España, podemos decir que sus primeras manifestaciones comienzan en la penúltima década del siglo XV y se finaliza en los primeros años del siglo XVII.
• PRINCIPALES CARACTERISTICAS
• Se pretendía especialmente en el siglo XV y XVI alcanzar la meta de convertirse en el hombre universal versado en muchas disciplinas, ideas que corresponde a algunos elegidos como Brunelleschi Ghiberti, León Batista Alberti, Francesco Di Giorgio, Donato Bramante, Leonardo Da Vinci, Miguel Ángel Buonarroti y otros. En su mayoría eran arquitectos.
• Los pintores y escultores ganarían su reconocimiento al no ser considerados artesanos normales, en la clasificación medieval de la pintura, escultura, estas serian artes “mecánicas” no liberales condicionalmente las artes liberales se enseñaban en las universidades, entre ellas se destacan las disciplinas elementales como la gramática, lógica y retórica y las mas elevadas como aritmética, geometría, música y astronomía. La importancia de una formación elevada para los pintores y escultores la destacaría Ghilberti que sostenía que debían estudiar gramática, geometría, aritmética, astronomía, filosofía, historia, medicina, anatomía, perspectiva y “diseño teórico”.
• Surge el individualismo, el hombre se reconoce como individuo espiritual y como indicio de la creciente conciencia de si mismos que cobran los hombrea del siglo XVI, toma reanimación, la pintura de retratos donde príncipes, nobles y miembros del alto clero se hacen retratar y también miembros de la burguesía como los comerciantes, los banqueros, artesanos y eruditos humanistas e inclusive los artistas que lograron ganarse el reconocimiento de la sociedad y gozar de sus privilegios.
• Los artitas recibían encargos de príncipes, que actuaban como regentes del Estado. Estos encargos podían llegar a convertirse en oportunidades de empleo fijo como Da vinci en Milán. Este empleo tendrá dos caras, dado que la mayor seguridad económica y aumento de prestigio estaba concadenada a obligaciones de presencia y dependencia en lo referido a la ejecución del trabajo.
Ensayo arte medieva
alumna: Karla Rosario Romero Cortina
En el arte de la Edad Media, debemos reconocer la gran influencia religiosa, de una Iglesia detentadora de un inmenso poder, que lograda la anhelada paz y la prosperidad económica, a partir del siglo XI y hasta el siglo XIV pugnó por la construcción de iglesias y monasterios. Aunque en menor medida, se construyeron también edificios civiles.
Debemos reconocer dos estilos diferentes, en esta etapa de florecimiento: el románico y el gótico, pudiendo señalar en común, que los arquitectos medievales construían para la eternidad. La calidad de sus obras, perduran como legado histórico.
El primero surgió, impulsado por la orden religiosa de Cluny, caracterizada por su austeridad moral, en el siglo XI, en Francia y Alemania, y se expandió con características comunes a toda Europa.
Su denominación alude a la similitud de estilo de sus arcos y bóvedas con las romanas.
Son ejemplos de este estilo, la Catedral de Works en Alemania, la catedral de Durham en Inglaterra y la Iglesia de Saint-Sernin de Toulouse en Francia.
Son construcciones sólidas y colosales, aunque sobrias, donde se destacan los arcos de medio punto, semicírculos ubicados sobre todo en los arcos y las bóvedas. Estas eran generalmente de piedra y cubrían las naves de las iglesias. Debido a su peso, los muros que las sostenían eran gruesos y con escasas aberturas, para lograr su solidez.
Las fachadas tenían torres, generalmente doble. En el interior, el pilar de base en forma de cruz sustituye a la columna.
El campanario, generalmente se ubicaba en la fachada principal.
Los portales de acceso y los capiteles de las columnas, poseían imágenes esculpidas y las pinturas mostraban pasajes bíblicos con fines didácticos. Son sus temas: las luchas entre el bien y el mal y el juicio final. Las figuras son representadas simbólicamente. Por ejemplo, Cristo, con los ojos muy abiertos, clavado rígido en la cruz. Las esculturas románicas se subordinaban a las exigencias arquitectónicas.
Desde Francia, en el siglo XIII, se expandió por Europa el arte gótico, llamado así, por el historiador renacentista, Giorgio Vasari, por considerarlo como creación de los godos, también religioso, pero que coincide con el florecimiento de la vida urbana.
Liberadas las ciudades del poder feudal, muchos edificios civiles exponen esta forma artística, como los castillos y las lonjas, sitio donde se reunían los mercaderes.
Pero sin duda, son las catedrales la que lo llevan a su máxima expresión, construidas en el centro de la ciudad. Por ejemplo, se destacan en Francia, Nôtre Dame de París, Chartres, Reims y Amiens, aunque se considera como su primera expresión la abadía de Saint Denis, cerca de París, bajo la dirección del abad Suger. Servían no sólo a fines religiosos, sino como sitio de reunión de las corporaciones y para celebrar fiestas de carácter popular.
La rigidez del arte románico, deja paso a un arte más humanístico.
La altura de las iglesias al principio no fue tan elevada, ya que las pesadas bóvedas no descansaban más que en las paredes laterales.
Con la aparición de la bóveda de crucería, sostenida por pilares, y apuntaladas por arbotantes y contrafuertes, las naves comenzaron a ser cada vez más altas, provistas de grandes ventanales, que transformaban a los edificios en sitios luminosos, además de sumamente bellos, ya que sus ventanas, en las que se utilizaba el arco apuntado u ojival, fueron decoradas con vitrales, vidrios de colores que otorgaban a la luz natural un matiz especial y mágico.
Las paredes, se transformaron en meros elementos de separación de ambientes, ya que no debieron soportar el peso del tejado.
Pueden distinguirse tres etapas en el arte gótico:
La primera, el gótico primitivo, con construcciones sólidas y macizas.
La segunda, el gótico radiante, elegante, delicado y luminoso.
La tercera, el gótico tardío o flamígero, donde hay sobreabundancia de decoración y falta de armonía.
En el arte de la Edad Media, debemos reconocer la gran influencia religiosa, de una Iglesia detentadora de un inmenso poder, que lograda la anhelada paz y la prosperidad económica, a partir del siglo XI y hasta el siglo XIV pugnó por la construcción de iglesias y monasterios. Aunque en menor medida, se construyeron también edificios civiles.
Debemos reconocer dos estilos diferentes, en esta etapa de florecimiento: el románico y el gótico, pudiendo señalar en común, que los arquitectos medievales construían para la eternidad. La calidad de sus obras, perduran como legado histórico.
El primero surgió, impulsado por la orden religiosa de Cluny, caracterizada por su austeridad moral, en el siglo XI, en Francia y Alemania, y se expandió con características comunes a toda Europa.
Su denominación alude a la similitud de estilo de sus arcos y bóvedas con las romanas.
Son ejemplos de este estilo, la Catedral de Works en Alemania, la catedral de Durham en Inglaterra y la Iglesia de Saint-Sernin de Toulouse en Francia.
Son construcciones sólidas y colosales, aunque sobrias, donde se destacan los arcos de medio punto, semicírculos ubicados sobre todo en los arcos y las bóvedas. Estas eran generalmente de piedra y cubrían las naves de las iglesias. Debido a su peso, los muros que las sostenían eran gruesos y con escasas aberturas, para lograr su solidez.
Las fachadas tenían torres, generalmente doble. En el interior, el pilar de base en forma de cruz sustituye a la columna.
El campanario, generalmente se ubicaba en la fachada principal.
Los portales de acceso y los capiteles de las columnas, poseían imágenes esculpidas y las pinturas mostraban pasajes bíblicos con fines didácticos. Son sus temas: las luchas entre el bien y el mal y el juicio final. Las figuras son representadas simbólicamente. Por ejemplo, Cristo, con los ojos muy abiertos, clavado rígido en la cruz. Las esculturas románicas se subordinaban a las exigencias arquitectónicas.
Desde Francia, en el siglo XIII, se expandió por Europa el arte gótico, llamado así, por el historiador renacentista, Giorgio Vasari, por considerarlo como creación de los godos, también religioso, pero que coincide con el florecimiento de la vida urbana.
Liberadas las ciudades del poder feudal, muchos edificios civiles exponen esta forma artística, como los castillos y las lonjas, sitio donde se reunían los mercaderes.
Pero sin duda, son las catedrales la que lo llevan a su máxima expresión, construidas en el centro de la ciudad. Por ejemplo, se destacan en Francia, Nôtre Dame de París, Chartres, Reims y Amiens, aunque se considera como su primera expresión la abadía de Saint Denis, cerca de París, bajo la dirección del abad Suger. Servían no sólo a fines religiosos, sino como sitio de reunión de las corporaciones y para celebrar fiestas de carácter popular.
La rigidez del arte románico, deja paso a un arte más humanístico.
La altura de las iglesias al principio no fue tan elevada, ya que las pesadas bóvedas no descansaban más que en las paredes laterales.
Con la aparición de la bóveda de crucería, sostenida por pilares, y apuntaladas por arbotantes y contrafuertes, las naves comenzaron a ser cada vez más altas, provistas de grandes ventanales, que transformaban a los edificios en sitios luminosos, además de sumamente bellos, ya que sus ventanas, en las que se utilizaba el arco apuntado u ojival, fueron decoradas con vitrales, vidrios de colores que otorgaban a la luz natural un matiz especial y mágico.
Las paredes, se transformaron en meros elementos de separación de ambientes, ya que no debieron soportar el peso del tejado.
Pueden distinguirse tres etapas en el arte gótico:
La primera, el gótico primitivo, con construcciones sólidas y macizas.
La segunda, el gótico radiante, elegante, delicado y luminoso.
La tercera, el gótico tardío o flamígero, donde hay sobreabundancia de decoración y falta de armonía.
lunes, 12 de marzo de 2012
ensayo del arte medieval
alumna Rosa Nureiry Lopez
Arte medieval
El arte medieval es un gran periodo de la historia del arte que cubre un prolongado período para una enorme extensión espacial. La Edad Media -del siglo V al siglo XV- supone más de mil años de arte en Europa, el Oriente Medio y África del Norte. Incluye movimientos artísticos principales y distintos períodos, artes nacionales, regionales y locales, diferentes géneros, periodos de florecimiento a los que se ha venido en llamar renacimientos, las obras de arte, y los propios artistas (que en la Alta Edad Media permanecían en el anonimato de una condición artesanal de poco prestigio social, como los demás oficios establecidos en régimen gremial, mientras que en los últimos siglos de la Baja Edad Media, sobre todo en el siglo XV, alcanzarán la consideración de cultivadores de las bellas artes, aumentando en consideración social y preparación intelectual).
Los historiadores de arte clasifican el arte medieval en períodos y movimientos: arte paleocristiano, arte prerrománico, románico, gótico (en Europa Occidental -la cristiandad latina-), arte bizantino (en el Imperio bizantino -la cristiandad oriental-) y arte islámico (en el mundo islámico), con influencias mutuas. Además cada "nación" o cultura en la Edad Media desarrollaron estilos propios diferenciados, como el arte visigodo, el arte anglosajón o el arte vikingo. El arte medieval incluye muchos medios de expresión a través de disciplinas artísticas, técnicas y géneros diferentes: arquitectura, escultura, orfebrería, manuscritos ilustrados (la miniatura y la caligrafía), frescos, pintura en tabla, mosaicos, y un largo etcétera, en el que se incluyen artes y oficios no incluidos habitualmente en las bellas artes, como la confección de la indumentaria medieval.
El arte medieval superó la herencia artística clásica del Imperio romano a través de su mezcla con las aportaciones del cristianismo primitivo y de la vigorosa cultura "bárbara" de Europa del Norte para producir una notable síntesis artística. La historia de arte medieval puede ser vista como la historia de la interacción entre los elementos del arte clásico, paleocristiano y pagano.
Función del arte medieval
A la hora de encarar las obras de arte medievales es necesario tener en cuenta que en esta época no existe el concepto del arte como fin en sí mismo o de la belleza como único objetivo del artista. El objeto artístico medieval tiene, en el seno de la sociedad en que es producido, un carácter básicamente funcional. En opinión del medievalista francés Georges Duby, la obra de arte medieval cumple fundamentalmente tres cometidos:
El de ser una ofrenda a Dios, a los santos o a los difuntos, con el fin de obtener su gracia, su indulgencia, etc. Es por ello que el hombre medieval (incluso aquellos, como San Francisco de Asís, que promovían la pobreza) no dudaba de la legitimidad de la riqueza de los adornos de las iglesias, monasterios u otros lugares de culto, puesto que esta riqueza era vista como una ofrenda necesaria a Dios, para la cual eran necesarios los mejores materiales y las mejores técnicas.
El de ser intermediarios entre el mundo sobrenatural y el humano, haciendo visible aquí las realidades divinas, según la máxima paulina per visibilia ad invisibilia (a través de lo visible hacia lo invisible). Generalmente, se suele atribuir a las imágenes medievales una función pedagógica consistente en explicar los dogmas de la fe cristiana y la historia sagrada a los iletrados, si bien no todos los expertos están de acuerdo sobre este punto.
El de ser una afirmación de poder: por un lado, del poder de Dios y de la Iglesia que reclamaba su delegado en el mundo; por otro, del poder de aquellos que tienen los medios suficientes para encargar obras de arte.
Las dos grandes épocas
En la arquitectura románica los edificios se caracterizan por sus macizos muros y contrafuertes para sostener una robusta bóveda de cañón, basada en el arco de medio punto. Las estructuras, por comparación con el gótico, son de escasa altura y con pocos vanos, lo que implica una menor entrada de luz, que se intenta compensar con el abocinamiento de las arquivoltas de pórticos y ventanales. Subordinada al soporte arquitectónico, la profusa decoración escultórica (capiteles, tímpanos) y pictórica (frescos en los ábsides y paredes interiores), de líneas muy marcadas y colores planos, formas geometrizantes y hieráticas, convertía a los templos en verdaderos evangelios de los iletrados.
Véanse también: Arquitectura románica, Pintura románica y Escultura románica
La arquitectura gótica nace a mediados del siglo XII en la región francesa de Ile de France, con la renovación de la iglesia de la abadía de Saint-Denis: la introducción del arco apuntado, la bóveda de crucería y los arbotantes que desplazaban el peso de las bóvedas a contrafuertes exteriores, dejando la posibilidad de aligerar los muros para conseguir construcciones de una altura extraordinaria y llenas de luz. La escultura gótica también se puede asociar al gótico arquitectónico francés que se extendió a todas partes de Europa. El siglo XIII permite hablar de un estilo internacional sustituyendo el arte románico. El gótico internacional caracteriza al periodo de aproximadamente 1360 a 1430, después del cual el gótico en distintas partes de Europa va combinándose con aportaciones del Renacimiento que está surgiendo en Italia; aunque en muchos lugares siguen haciéndose edificios góticos hasta el siglo XVI, denominados con distintos nombres de estilo (en el norte de Europa gótico flamígero, gótico tardío o flamboyant y estilo Tudor, y en la Península Ibérica gótico isabelino plateresco y manuelino). Los cambios pictóricos no comenzaron a ser suficientes para hablar de un estilo diferente al románico hasta comienzos del siglo XIII, caracterizado por una mayor expresión de sentimientos y un mayor realismo o naturalismo en la representación de la realidad. La utilización del soporte tabla y la técnica del temple se hace muy extensiva, produciendo retablos, dípticos, trípticos y polítpticos, que permiten un tamaño mayor o menor, la posibilidad de un arte mueble y su comercialización, respondiendo al aumento de los clientes del mercado del arte, que ya no se reducen a las instituciones eclesiásticas, sino que incluyen a las monarquías, las casas nobles y a la pujante burguesía. Al final del período se introduce la innovación tecnológica del grabado, que permitió el nacimiento de un nuevo medio de comunicación a través de las múltiples copias. En el siglo XV aparecerá la pintura al óleo, que permite un extraordinario detallismo.
Arte medieval
El arte medieval es un gran periodo de la historia del arte que cubre un prolongado período para una enorme extensión espacial. La Edad Media -del siglo V al siglo XV- supone más de mil años de arte en Europa, el Oriente Medio y África del Norte. Incluye movimientos artísticos principales y distintos períodos, artes nacionales, regionales y locales, diferentes géneros, periodos de florecimiento a los que se ha venido en llamar renacimientos, las obras de arte, y los propios artistas (que en la Alta Edad Media permanecían en el anonimato de una condición artesanal de poco prestigio social, como los demás oficios establecidos en régimen gremial, mientras que en los últimos siglos de la Baja Edad Media, sobre todo en el siglo XV, alcanzarán la consideración de cultivadores de las bellas artes, aumentando en consideración social y preparación intelectual).
Los historiadores de arte clasifican el arte medieval en períodos y movimientos: arte paleocristiano, arte prerrománico, románico, gótico (en Europa Occidental -la cristiandad latina-), arte bizantino (en el Imperio bizantino -la cristiandad oriental-) y arte islámico (en el mundo islámico), con influencias mutuas. Además cada "nación" o cultura en la Edad Media desarrollaron estilos propios diferenciados, como el arte visigodo, el arte anglosajón o el arte vikingo. El arte medieval incluye muchos medios de expresión a través de disciplinas artísticas, técnicas y géneros diferentes: arquitectura, escultura, orfebrería, manuscritos ilustrados (la miniatura y la caligrafía), frescos, pintura en tabla, mosaicos, y un largo etcétera, en el que se incluyen artes y oficios no incluidos habitualmente en las bellas artes, como la confección de la indumentaria medieval.
El arte medieval superó la herencia artística clásica del Imperio romano a través de su mezcla con las aportaciones del cristianismo primitivo y de la vigorosa cultura "bárbara" de Europa del Norte para producir una notable síntesis artística. La historia de arte medieval puede ser vista como la historia de la interacción entre los elementos del arte clásico, paleocristiano y pagano.
Función del arte medieval
A la hora de encarar las obras de arte medievales es necesario tener en cuenta que en esta época no existe el concepto del arte como fin en sí mismo o de la belleza como único objetivo del artista. El objeto artístico medieval tiene, en el seno de la sociedad en que es producido, un carácter básicamente funcional. En opinión del medievalista francés Georges Duby, la obra de arte medieval cumple fundamentalmente tres cometidos:
El de ser una ofrenda a Dios, a los santos o a los difuntos, con el fin de obtener su gracia, su indulgencia, etc. Es por ello que el hombre medieval (incluso aquellos, como San Francisco de Asís, que promovían la pobreza) no dudaba de la legitimidad de la riqueza de los adornos de las iglesias, monasterios u otros lugares de culto, puesto que esta riqueza era vista como una ofrenda necesaria a Dios, para la cual eran necesarios los mejores materiales y las mejores técnicas.
El de ser intermediarios entre el mundo sobrenatural y el humano, haciendo visible aquí las realidades divinas, según la máxima paulina per visibilia ad invisibilia (a través de lo visible hacia lo invisible). Generalmente, se suele atribuir a las imágenes medievales una función pedagógica consistente en explicar los dogmas de la fe cristiana y la historia sagrada a los iletrados, si bien no todos los expertos están de acuerdo sobre este punto.
El de ser una afirmación de poder: por un lado, del poder de Dios y de la Iglesia que reclamaba su delegado en el mundo; por otro, del poder de aquellos que tienen los medios suficientes para encargar obras de arte.
Las dos grandes épocas
En la arquitectura románica los edificios se caracterizan por sus macizos muros y contrafuertes para sostener una robusta bóveda de cañón, basada en el arco de medio punto. Las estructuras, por comparación con el gótico, son de escasa altura y con pocos vanos, lo que implica una menor entrada de luz, que se intenta compensar con el abocinamiento de las arquivoltas de pórticos y ventanales. Subordinada al soporte arquitectónico, la profusa decoración escultórica (capiteles, tímpanos) y pictórica (frescos en los ábsides y paredes interiores), de líneas muy marcadas y colores planos, formas geometrizantes y hieráticas, convertía a los templos en verdaderos evangelios de los iletrados.
Véanse también: Arquitectura románica, Pintura románica y Escultura románica
La arquitectura gótica nace a mediados del siglo XII en la región francesa de Ile de France, con la renovación de la iglesia de la abadía de Saint-Denis: la introducción del arco apuntado, la bóveda de crucería y los arbotantes que desplazaban el peso de las bóvedas a contrafuertes exteriores, dejando la posibilidad de aligerar los muros para conseguir construcciones de una altura extraordinaria y llenas de luz. La escultura gótica también se puede asociar al gótico arquitectónico francés que se extendió a todas partes de Europa. El siglo XIII permite hablar de un estilo internacional sustituyendo el arte románico. El gótico internacional caracteriza al periodo de aproximadamente 1360 a 1430, después del cual el gótico en distintas partes de Europa va combinándose con aportaciones del Renacimiento que está surgiendo en Italia; aunque en muchos lugares siguen haciéndose edificios góticos hasta el siglo XVI, denominados con distintos nombres de estilo (en el norte de Europa gótico flamígero, gótico tardío o flamboyant y estilo Tudor, y en la Península Ibérica gótico isabelino plateresco y manuelino). Los cambios pictóricos no comenzaron a ser suficientes para hablar de un estilo diferente al románico hasta comienzos del siglo XIII, caracterizado por una mayor expresión de sentimientos y un mayor realismo o naturalismo en la representación de la realidad. La utilización del soporte tabla y la técnica del temple se hace muy extensiva, produciendo retablos, dípticos, trípticos y polítpticos, que permiten un tamaño mayor o menor, la posibilidad de un arte mueble y su comercialización, respondiendo al aumento de los clientes del mercado del arte, que ya no se reducen a las instituciones eclesiásticas, sino que incluyen a las monarquías, las casas nobles y a la pujante burguesía. Al final del período se introduce la innovación tecnológica del grabado, que permitió el nacimiento de un nuevo medio de comunicación a través de las múltiples copias. En el siglo XV aparecerá la pintura al óleo, que permite un extraordinario detallismo.
ensayo del renacimiento
por: Rosa Nureiry Lopez
el Renacimiento se originó en la era de los descubrimientos geográficos y las conquistas ultramarinas. El Renacimiento comenzó en Italia en el s.XIV y se difundió por el resto de Europa durante los siglos XV y XVI. En este periodo, la fragmentaria sociedad feudal de la Edad Media, caracterizada por una economía básicamente agrícola y una vida cultural e intelectual dominada por la iglesia, se transformó en una sociedad dominada progresivamente por instituciones políticas centralizadas, con una economía urbana y mercantil, en la que se desarrolló el mecenazgo de la educación, de las artes y de la música. El desmembramiento de la cristiandad y el desarrollo de los nacionalismos, la introducción de la imprenta, entre 1460 y 1480, y la consiguiente difusión de la cultura. Paralelamente a la revolución operada en el mundo de las ideas, surgió a principios del s.XV un renacimiento artístico en Italia (Renascita) de empuje extraordinario. El artista tomó conciencia de individuo con valor y personalidad propios, se vio atraído por el saber y comenzó a estudiar anatomía, técnica del claroscuro, leyes de perspectiva, los modelos de la antigüedad clásica, etc. Leonardo da Vinci, personalidad eminentemente renacentista, dominó distintas ramas del saber. Es curioso que mientras surgía en Florencia el Quattrocento o primer Renacimiento italiano (s.XV) gracias a la búsqueda de las bases científicas del arte, se produjera un fenómeno parecido y simultaneo en Flandes (especialmente en pintura), basado sólo en la observación directa de la vida y la naturaleza. Este Bajo Renacimiento tuvo gran repercusión en la Europa Oriental (el Kremlin fue obra de artistas italianos). La segunda fase del Renacimiento, o Cinquecento (s.XVI), se caracterizó por la hegemonía de Roma, y hasta el saco de la ciudad en 1527 los Papas decidieron en el mundo del arte (Julio II, León X, Clemente VII); con las guerras de Italia los artistas emigraron y propagaron los principios renacentistas por toda Europa Occidental. Durante la segunda mitad del s.XVI se inició ya la decadencia del Renacimiento, que cayó en un rígido formalismo, y tras el manierismo dejo paso al barroco.
II. ARQUITECTURA
Había dos tipos de edificios: religiosos (iglesias) y civiles (urbanos y laicos). Los principales elementos constructivos son:
SUSTENTANTES: arco de medio punto y columnas.
SUSTENTADOS: cúpula, bóveda de cañón y cubiertas planas con casetones.
ELEMENTOS DECORATIVOS:
Pilastras, frontones, pórticos, decoración heráldica, almohadillado, voluta, grutescos, guirnaldas y medallones.
Desde un principio tuvo carácter profano, y, lógicamente, surgió en una ciudad en donde el gótico apenas había penetrado, Florencia; en la Europa de las grandes catedrales, se implantó con dificultades.
Se caracterizó por el empleo de proporciones modulares, superposición de ordenes, empleo de cúpulas e introducción del orden colosal. En el Quattrocento fue frecuente recurrir a columnas y pilastras adosadas, a los capiteles clásicos (con preferencia el corintio, aunque sustituyendo los caulículos por figuras fantásticas o de animales), los fustes lisos y el arco de medio punto, a la bóveda de cañón y de arista, así como a cubiertas de madera con casetones. Lo que fundamentalmente distingue a la arquitectura del Quattrocento de la del Alto Renacimiento (o Cinquecento) es la decoración menuda (putti, guirnaldas de flores o frutos, grutescos, etc.), el alargamiento de la cúpula (catedral de Florencia, de Brunelleschi) y las fachadas de piedra tosca (Palacio Medici-Ricardi, de Michelozzo) o con los sillares en realce (Palacio Rucellai, de B. Rosellino, proyecto de Alberti). La arquitectura del Cinquecento tuvo como centro Roma: en 1506 Bramante terminaba su célebre proyecto para la basílica de San Pedro del Vaticano. Los palacios se adornaron de valiosos bajos relieves (Palacio Grimani de Venecia, 1549, obra de San Micheli) o de esculturas exentas (biblioteca de San Marcos, 1537-50, Venecia, obra de Sansovino). Al comenzar la decadencia de la arquitectura del Cinquecento (Villa Medici, Roma, obra de Lippi; basílica de Vicenza, obra de Palladio) aparecen las primeras manifestaciones del Barroco en Roma: en el Palacio del Senado, en el que Miguel Ángel se valió del orden colosal, y en la iglesia del Gesù, obra de Vignola, que sería modelo de la iglesia barroca jesuítica. En España la influencia de la arquitectura renacentista italiana se dejó sentir a principios del s.XVI y dio origen al estilo llamado plateresco*, de grandes analogías con el lombardo del Quattrocento (Lorenzo Vázquez, Alonso de Covarrubias), pero en el último tercio de este siglo triunfó la reacción contra la exuberancia de la decoración plateresca, es decir, el estilo herreriano
III. ESCULTURA
La escultura renacentista se basó en la tradición de la antigüedad, especialmente en el período helénico y es predominante religiosa. Al igual que la arquitectura, la escultura renacentista nació en Florencia y manifestó igual tendencia profana. Una de sus manifestaciones más originales es la escultura en madera policromada. Son numerosos los retablos con escenas de la pasión de Cristo y los temas dedicados a la Virgen María. Los artistas están más preocupados por expresar los sentimientos que por buscar la armonía de las formas y pretenden sobre todo incitar a la devocación. Se caracteriza por las representaciones del cuerpo humano con un tratamiento perfecto de la anatomía. Se plasma el movimiento, intentando conseguir el equilibrio y la perfección. Los materiales con los que se moldean las figuras son el mármol, la madera, la terracota y el bronce. Buscó la expresividad y la perfección formal y dio muestras de gran penetración psicológica (San Juan Bautista de Donatello).
Las características más destacadas de la escultura renacentista son:
Vuelta a las formas clásicas
Predominio del retrato y de los temas mitológicos, alegóricos y religiosos
Estudio del desnudo y de la anatomía
Materiales: mármol y bronce (madera, principalmente en España).
Alonso Berruguete se formó en Italia y allí conoció a Donatello y Miguel Ángel. Su estilo dramático se caracteriza por el empleo de figuras huesudas y gesticulantes. Juan de Juni un francés de formación italiana que se instaló en Valladolid hacía 1533, supo expresar con gran sentido trágico la espiritualidad de sus contemporáneos en obras como el Santo Entierro de la catedral de Segovia (1571).
IV. PINTURA
Desde punto de vista formal, la influencia de los grandes maestros italianos del Renacimiento a los promotores del Manierismo son la base artística de las principales pinturas españolas de la segunda mitad del siglo XVI. El gran avance de la pintura renacentista se produjo con el florecimiento de la pintura flamenca y el descubrimiento de la técnica del óleo. El Renacimiento supuso el análisis en la representación de la naturaleza.
Las características más importantes de la pintura renacentista son:
Búsqueda de la perspectiva
Al igual que en la escultura, perviven los temas religiosos, pero, por influencia clásica, se impulsaron también los mitológicos y alegóricos y el retrato
Las técnicas son el fresco, el temple y el óleo
La composición centra el tema y distribuye los elementos técnicos: color, volumen y formas
La luz y los efectos de claroscuro culminan en el esfumato leonardesco
Gran atención a la expresión de las figuras y al estudio de la luz en sus cuadros
Como soportes de las obras se utilizan techos, paredes, tablas y lienzos
En la pintura renacentista el pintor recrea la naturaleza y coloca al ser humano dentro de ella. La pintura de este primer período tuvo su más notable precursor en Giotto, que realzó en sus obras la importancia del espacio con una ambientación de paisajes a base de rocas, árboles, pájaros, etc. En Florencia, el arte de Giotto ejerció una gran influencia sobre sus contemporáneos y sucesores.
ARTES MENORES, OTRAS MANIFESTACIONES
CERÁMICA:
Los centros cerámicos de mayor relieve fueron Urbino y Faenza, pero las piezas de mayor originalidad se debieron al francés Palissy. En orfebrería destacó en primer lugar Benvenuto Cellini.
FILOSOFÍA:
El Renacimiento fue un período filosófico eminentemente crítico en el cual se cuestionaron fundamentalmente las bases espirituales predominantes en la Edad Media, debido a varios factores, entre los que cabe destacar:
Una reinterpretación de la filosofía griega así como de otras tendencias
La disolución de la escolástica, de la que sólo subsisten secuelas del escotismo y del occamismo así como un movimiento bastante localizado en España de renovación, que coinciden con la contrarreforma.
La crítica sistemática de los métodos escolásticos del saber, especialmente del principio de autoridad y del modo de razonar (Vives). La crítica se extiende también a las formas de vivir, a las costumbres (Erasmo) e, inclusive, a la organización social y económica (Moro).
Un resurgir de ciertos campos del saber inhibidos por el estrecho racionalismo escolástico, tales como la magia y la alquimia
LITERATURA:
En reacción contra las bases morales y estéticas de la literatura medieval, el Renacimiento afirmó el culto de la belleza y exaltó las facultades humanas, la vida terrena y la naturaleza. No sin cierta complacencia paganizante, rehabilitó la mitología y el bucolismo pastoril, exponentes de un mundo natural evocado con nostalgia. La búsqueda de la belleza constituye principal objeto del artista, y quedan relegados de un segundo plano los propósitos didácticos característicos de la etapa anterior. El concepto moderno de la personalidad creadora penetra en la conciencia del escritor, quien afirma su autonomía por encima de la tradición, la doctrina y la regla. Surge así un ideal del hombre renacentista que aúna conocimientos intelectuales y artísticos y aptitudes para la acción.
MÚSICA:
El Renacimiento musical nació en el norte de Italia con numerosos maestros florentinos. Como primeras formas de la nueva música aparecieron la frottola, la ballata y la caccia. La frottola tiene carácter popular, pastoral o amatorio; la ballata es una canción para danzar, y la caccia es narrativa, generalmente con temas de caza adornados con gritos de vendedores ambulantes. El Renacimiento culminó con los tres grandes polifonistas:
Orlando di Lasso, Palestrina y Victoria; cuya producción constituye un momento culminante en la historia de la música.
RENACIMIENTO EN ESPAÑA Y ANDALUCÍA.
Las relaciones políticas y bélicas con Italia fueron los factores principales de la penetración de las formas renacentistas en España.
El mecenazgo en España estuvo encabezado por la corte de los Reyes Católicos y las grandes familias: los Mendoza, los Fonseca... El emperador Carlos V fue un gran promotor de obras artísticas.
En España y Andalucía los períodos principales fueron:
Plateresco (primer cuarto del siglo XVI)
Purismo (1525-1560)
Herreriano (último tercio del siglo XVI)
LA ARQUITECTURA ANDALUZA
El Renacimiento en Andalucía fue una época de esplendor artístico. La abundancia de recursos económicos y las necesidades religiosas, surgidas tras la conquista de Granada, hicieron posible la construcción de iglesias, monasterios y palacios urbanos.
Granada fue uno de los principales centros de la arquitectura renacentista. Los edificios más representativos son el palacio de Carlos V, situado en la misma Alhambra y diseñado por Pedro de Machado, y la catedral, de, Diego de Siloé.
En Jaén, los centros más relevantes fueron las ciudades de Jaén, Úbeda y Baeza, siendo el arquitecto principal Andrés de Vandelvier. Él trazó las catredrales de Jaén y Baeza, así como la iglesia del Salvador en Úbeda, construida por Vandelvier pero diseñada por Siloé. En esta última ciudad destaca la construcción de palacios, como el de las Cadenas y el de los Cabos.
En Sevilla se construyeron lujosos edificios, destacando la fachada del ayuntamiento y la sacristía mayor de la catedral, ambas obras de Diego de Riaño. Otros edificios singulares son la casa de Pilatos y el palacio de las Dueñas; en ellos se combinaron los azulejos y artesonados, de tradición musulmana, con los elementos renacentistas de estilo clásico.
LA ESCULTURA Y LA PINTURA ANDALUZA
La prosperidad económica de Andalucía atrajo a numerosos escultores europeos, que introdujeron los modelos renacentistas italianos. Las obras escultóricas más destacadas son los sepulcros de mármol de los Reyes Católicos, y Felipe el Hermoso, Fancelli, y el de Juana la Loca, de Bartolomé Ordóñez, ubicado en la Capilla Real de Granada.
Los pintores andaluces más destacados fueron: Alejo Fernández, con su obra más conocida, la Virgen de los Navegantes; Pedro de Campaña, autor del Descendimiento, y Pedro de Machuca, con la Virgen del Sufragio. Estos pintores desarrollaron su actividad en Sevilla o Granada.
VOCABULARIO
Artesonado: Techo adornado con cuadrados o polígonos.
Mecenas: Persona o institución poderosa que patrocina artistas y literatos.
Antropocentrismo: Doctrina o teoría que supone que el hombre es el centro de todas las cosas, el fin absoluto de la naturaleza.
Teocentrismo: Doctrina que considera a Dios como centro y fin de todo el pensamiento y actividad del hombre.
Divulgación: Acción y efecto de hacer pública una cosa.
Vernáculos: Propio del país del que se trata.
Alquimista: El que profesaba la química de los antiguos, que pretendía hallar la materia primordial homogénea e indiferenciada, la transmutación de los metales, el disolvente universal y el elixir de vida.
Mecenazgo: Protección económica dispensada a un escritor o artista.
Alegóricos: Relativo a la representación simbólica de ideas abstractas por medio de figuras o atributos.
Pléyade: Grupo de personas señaladas, que florecen por el mismo tiempo.
Extraordinario: Fuera del orden o regla general o común.
Enigmático: Que en se encierra o incluye enigma; de significación obscura y misteriosa.
Manierismo: Forma del arte que se manifestó en Italia en el s. XVI, entre el Renacimiento y la época barroca, y que se caracterizó por su falta de naturalidad y su afectación.
Humanismo: Movimiento intelectual desarrollado en Europa durante los s. XIV y XV que, rompiendo las tradiciones escolásticas medievales y exaltando en su totalidad las cualidades propias de la naturaleza humana, pretendía descubrir al hombre y dar un sentido racional a la vida tomando como maestros a los clásicos griegos y latinos, cuyas obras exhumó y estudió con entusiasmo.
Dórico: Conjunto de dialectos pertenecientes al grupo occidental del griego común, hablados antiguamente en Dórida; como el laconio y el argivo.
Jónico: Dialecto del griego común, hablado antiguamente en esta región.
Perspectiva: Modo de representar los objetos en una superficie con la misma forma y disposición con la que aparecen en la realidad.
Austeridad: Práctica de vida con rigidez y severidad.
Esfumato: Rebajar los tonos de una composición, logrando cierto aspecto de vaguedad y lejanía.
el Renacimiento se originó en la era de los descubrimientos geográficos y las conquistas ultramarinas. El Renacimiento comenzó en Italia en el s.XIV y se difundió por el resto de Europa durante los siglos XV y XVI. En este periodo, la fragmentaria sociedad feudal de la Edad Media, caracterizada por una economía básicamente agrícola y una vida cultural e intelectual dominada por la iglesia, se transformó en una sociedad dominada progresivamente por instituciones políticas centralizadas, con una economía urbana y mercantil, en la que se desarrolló el mecenazgo de la educación, de las artes y de la música. El desmembramiento de la cristiandad y el desarrollo de los nacionalismos, la introducción de la imprenta, entre 1460 y 1480, y la consiguiente difusión de la cultura. Paralelamente a la revolución operada en el mundo de las ideas, surgió a principios del s.XV un renacimiento artístico en Italia (Renascita) de empuje extraordinario. El artista tomó conciencia de individuo con valor y personalidad propios, se vio atraído por el saber y comenzó a estudiar anatomía, técnica del claroscuro, leyes de perspectiva, los modelos de la antigüedad clásica, etc. Leonardo da Vinci, personalidad eminentemente renacentista, dominó distintas ramas del saber. Es curioso que mientras surgía en Florencia el Quattrocento o primer Renacimiento italiano (s.XV) gracias a la búsqueda de las bases científicas del arte, se produjera un fenómeno parecido y simultaneo en Flandes (especialmente en pintura), basado sólo en la observación directa de la vida y la naturaleza. Este Bajo Renacimiento tuvo gran repercusión en la Europa Oriental (el Kremlin fue obra de artistas italianos). La segunda fase del Renacimiento, o Cinquecento (s.XVI), se caracterizó por la hegemonía de Roma, y hasta el saco de la ciudad en 1527 los Papas decidieron en el mundo del arte (Julio II, León X, Clemente VII); con las guerras de Italia los artistas emigraron y propagaron los principios renacentistas por toda Europa Occidental. Durante la segunda mitad del s.XVI se inició ya la decadencia del Renacimiento, que cayó en un rígido formalismo, y tras el manierismo dejo paso al barroco.
II. ARQUITECTURA
Había dos tipos de edificios: religiosos (iglesias) y civiles (urbanos y laicos). Los principales elementos constructivos son:
SUSTENTANTES: arco de medio punto y columnas.
SUSTENTADOS: cúpula, bóveda de cañón y cubiertas planas con casetones.
ELEMENTOS DECORATIVOS:
Pilastras, frontones, pórticos, decoración heráldica, almohadillado, voluta, grutescos, guirnaldas y medallones.
Desde un principio tuvo carácter profano, y, lógicamente, surgió en una ciudad en donde el gótico apenas había penetrado, Florencia; en la Europa de las grandes catedrales, se implantó con dificultades.
Se caracterizó por el empleo de proporciones modulares, superposición de ordenes, empleo de cúpulas e introducción del orden colosal. En el Quattrocento fue frecuente recurrir a columnas y pilastras adosadas, a los capiteles clásicos (con preferencia el corintio, aunque sustituyendo los caulículos por figuras fantásticas o de animales), los fustes lisos y el arco de medio punto, a la bóveda de cañón y de arista, así como a cubiertas de madera con casetones. Lo que fundamentalmente distingue a la arquitectura del Quattrocento de la del Alto Renacimiento (o Cinquecento) es la decoración menuda (putti, guirnaldas de flores o frutos, grutescos, etc.), el alargamiento de la cúpula (catedral de Florencia, de Brunelleschi) y las fachadas de piedra tosca (Palacio Medici-Ricardi, de Michelozzo) o con los sillares en realce (Palacio Rucellai, de B. Rosellino, proyecto de Alberti). La arquitectura del Cinquecento tuvo como centro Roma: en 1506 Bramante terminaba su célebre proyecto para la basílica de San Pedro del Vaticano. Los palacios se adornaron de valiosos bajos relieves (Palacio Grimani de Venecia, 1549, obra de San Micheli) o de esculturas exentas (biblioteca de San Marcos, 1537-50, Venecia, obra de Sansovino). Al comenzar la decadencia de la arquitectura del Cinquecento (Villa Medici, Roma, obra de Lippi; basílica de Vicenza, obra de Palladio) aparecen las primeras manifestaciones del Barroco en Roma: en el Palacio del Senado, en el que Miguel Ángel se valió del orden colosal, y en la iglesia del Gesù, obra de Vignola, que sería modelo de la iglesia barroca jesuítica. En España la influencia de la arquitectura renacentista italiana se dejó sentir a principios del s.XVI y dio origen al estilo llamado plateresco*, de grandes analogías con el lombardo del Quattrocento (Lorenzo Vázquez, Alonso de Covarrubias), pero en el último tercio de este siglo triunfó la reacción contra la exuberancia de la decoración plateresca, es decir, el estilo herreriano
III. ESCULTURA
La escultura renacentista se basó en la tradición de la antigüedad, especialmente en el período helénico y es predominante religiosa. Al igual que la arquitectura, la escultura renacentista nació en Florencia y manifestó igual tendencia profana. Una de sus manifestaciones más originales es la escultura en madera policromada. Son numerosos los retablos con escenas de la pasión de Cristo y los temas dedicados a la Virgen María. Los artistas están más preocupados por expresar los sentimientos que por buscar la armonía de las formas y pretenden sobre todo incitar a la devocación. Se caracteriza por las representaciones del cuerpo humano con un tratamiento perfecto de la anatomía. Se plasma el movimiento, intentando conseguir el equilibrio y la perfección. Los materiales con los que se moldean las figuras son el mármol, la madera, la terracota y el bronce. Buscó la expresividad y la perfección formal y dio muestras de gran penetración psicológica (San Juan Bautista de Donatello).
Las características más destacadas de la escultura renacentista son:
Vuelta a las formas clásicas
Predominio del retrato y de los temas mitológicos, alegóricos y religiosos
Estudio del desnudo y de la anatomía
Materiales: mármol y bronce (madera, principalmente en España).
Alonso Berruguete se formó en Italia y allí conoció a Donatello y Miguel Ángel. Su estilo dramático se caracteriza por el empleo de figuras huesudas y gesticulantes. Juan de Juni un francés de formación italiana que se instaló en Valladolid hacía 1533, supo expresar con gran sentido trágico la espiritualidad de sus contemporáneos en obras como el Santo Entierro de la catedral de Segovia (1571).
IV. PINTURA
Desde punto de vista formal, la influencia de los grandes maestros italianos del Renacimiento a los promotores del Manierismo son la base artística de las principales pinturas españolas de la segunda mitad del siglo XVI. El gran avance de la pintura renacentista se produjo con el florecimiento de la pintura flamenca y el descubrimiento de la técnica del óleo. El Renacimiento supuso el análisis en la representación de la naturaleza.
Las características más importantes de la pintura renacentista son:
Búsqueda de la perspectiva
Al igual que en la escultura, perviven los temas religiosos, pero, por influencia clásica, se impulsaron también los mitológicos y alegóricos y el retrato
Las técnicas son el fresco, el temple y el óleo
La composición centra el tema y distribuye los elementos técnicos: color, volumen y formas
La luz y los efectos de claroscuro culminan en el esfumato leonardesco
Gran atención a la expresión de las figuras y al estudio de la luz en sus cuadros
Como soportes de las obras se utilizan techos, paredes, tablas y lienzos
En la pintura renacentista el pintor recrea la naturaleza y coloca al ser humano dentro de ella. La pintura de este primer período tuvo su más notable precursor en Giotto, que realzó en sus obras la importancia del espacio con una ambientación de paisajes a base de rocas, árboles, pájaros, etc. En Florencia, el arte de Giotto ejerció una gran influencia sobre sus contemporáneos y sucesores.
ARTES MENORES, OTRAS MANIFESTACIONES
CERÁMICA:
Los centros cerámicos de mayor relieve fueron Urbino y Faenza, pero las piezas de mayor originalidad se debieron al francés Palissy. En orfebrería destacó en primer lugar Benvenuto Cellini.
FILOSOFÍA:
El Renacimiento fue un período filosófico eminentemente crítico en el cual se cuestionaron fundamentalmente las bases espirituales predominantes en la Edad Media, debido a varios factores, entre los que cabe destacar:
Una reinterpretación de la filosofía griega así como de otras tendencias
La disolución de la escolástica, de la que sólo subsisten secuelas del escotismo y del occamismo así como un movimiento bastante localizado en España de renovación, que coinciden con la contrarreforma.
La crítica sistemática de los métodos escolásticos del saber, especialmente del principio de autoridad y del modo de razonar (Vives). La crítica se extiende también a las formas de vivir, a las costumbres (Erasmo) e, inclusive, a la organización social y económica (Moro).
Un resurgir de ciertos campos del saber inhibidos por el estrecho racionalismo escolástico, tales como la magia y la alquimia
LITERATURA:
En reacción contra las bases morales y estéticas de la literatura medieval, el Renacimiento afirmó el culto de la belleza y exaltó las facultades humanas, la vida terrena y la naturaleza. No sin cierta complacencia paganizante, rehabilitó la mitología y el bucolismo pastoril, exponentes de un mundo natural evocado con nostalgia. La búsqueda de la belleza constituye principal objeto del artista, y quedan relegados de un segundo plano los propósitos didácticos característicos de la etapa anterior. El concepto moderno de la personalidad creadora penetra en la conciencia del escritor, quien afirma su autonomía por encima de la tradición, la doctrina y la regla. Surge así un ideal del hombre renacentista que aúna conocimientos intelectuales y artísticos y aptitudes para la acción.
MÚSICA:
El Renacimiento musical nació en el norte de Italia con numerosos maestros florentinos. Como primeras formas de la nueva música aparecieron la frottola, la ballata y la caccia. La frottola tiene carácter popular, pastoral o amatorio; la ballata es una canción para danzar, y la caccia es narrativa, generalmente con temas de caza adornados con gritos de vendedores ambulantes. El Renacimiento culminó con los tres grandes polifonistas:
Orlando di Lasso, Palestrina y Victoria; cuya producción constituye un momento culminante en la historia de la música.
RENACIMIENTO EN ESPAÑA Y ANDALUCÍA.
Las relaciones políticas y bélicas con Italia fueron los factores principales de la penetración de las formas renacentistas en España.
El mecenazgo en España estuvo encabezado por la corte de los Reyes Católicos y las grandes familias: los Mendoza, los Fonseca... El emperador Carlos V fue un gran promotor de obras artísticas.
En España y Andalucía los períodos principales fueron:
Plateresco (primer cuarto del siglo XVI)
Purismo (1525-1560)
Herreriano (último tercio del siglo XVI)
LA ARQUITECTURA ANDALUZA
El Renacimiento en Andalucía fue una época de esplendor artístico. La abundancia de recursos económicos y las necesidades religiosas, surgidas tras la conquista de Granada, hicieron posible la construcción de iglesias, monasterios y palacios urbanos.
Granada fue uno de los principales centros de la arquitectura renacentista. Los edificios más representativos son el palacio de Carlos V, situado en la misma Alhambra y diseñado por Pedro de Machado, y la catedral, de, Diego de Siloé.
En Jaén, los centros más relevantes fueron las ciudades de Jaén, Úbeda y Baeza, siendo el arquitecto principal Andrés de Vandelvier. Él trazó las catredrales de Jaén y Baeza, así como la iglesia del Salvador en Úbeda, construida por Vandelvier pero diseñada por Siloé. En esta última ciudad destaca la construcción de palacios, como el de las Cadenas y el de los Cabos.
En Sevilla se construyeron lujosos edificios, destacando la fachada del ayuntamiento y la sacristía mayor de la catedral, ambas obras de Diego de Riaño. Otros edificios singulares son la casa de Pilatos y el palacio de las Dueñas; en ellos se combinaron los azulejos y artesonados, de tradición musulmana, con los elementos renacentistas de estilo clásico.
LA ESCULTURA Y LA PINTURA ANDALUZA
La prosperidad económica de Andalucía atrajo a numerosos escultores europeos, que introdujeron los modelos renacentistas italianos. Las obras escultóricas más destacadas son los sepulcros de mármol de los Reyes Católicos, y Felipe el Hermoso, Fancelli, y el de Juana la Loca, de Bartolomé Ordóñez, ubicado en la Capilla Real de Granada.
Los pintores andaluces más destacados fueron: Alejo Fernández, con su obra más conocida, la Virgen de los Navegantes; Pedro de Campaña, autor del Descendimiento, y Pedro de Machuca, con la Virgen del Sufragio. Estos pintores desarrollaron su actividad en Sevilla o Granada.
VOCABULARIO
Artesonado: Techo adornado con cuadrados o polígonos.
Mecenas: Persona o institución poderosa que patrocina artistas y literatos.
Antropocentrismo: Doctrina o teoría que supone que el hombre es el centro de todas las cosas, el fin absoluto de la naturaleza.
Teocentrismo: Doctrina que considera a Dios como centro y fin de todo el pensamiento y actividad del hombre.
Divulgación: Acción y efecto de hacer pública una cosa.
Vernáculos: Propio del país del que se trata.
Alquimista: El que profesaba la química de los antiguos, que pretendía hallar la materia primordial homogénea e indiferenciada, la transmutación de los metales, el disolvente universal y el elixir de vida.
Mecenazgo: Protección económica dispensada a un escritor o artista.
Alegóricos: Relativo a la representación simbólica de ideas abstractas por medio de figuras o atributos.
Pléyade: Grupo de personas señaladas, que florecen por el mismo tiempo.
Extraordinario: Fuera del orden o regla general o común.
Enigmático: Que en se encierra o incluye enigma; de significación obscura y misteriosa.
Manierismo: Forma del arte que se manifestó en Italia en el s. XVI, entre el Renacimiento y la época barroca, y que se caracterizó por su falta de naturalidad y su afectación.
Humanismo: Movimiento intelectual desarrollado en Europa durante los s. XIV y XV que, rompiendo las tradiciones escolásticas medievales y exaltando en su totalidad las cualidades propias de la naturaleza humana, pretendía descubrir al hombre y dar un sentido racional a la vida tomando como maestros a los clásicos griegos y latinos, cuyas obras exhumó y estudió con entusiasmo.
Dórico: Conjunto de dialectos pertenecientes al grupo occidental del griego común, hablados antiguamente en Dórida; como el laconio y el argivo.
Jónico: Dialecto del griego común, hablado antiguamente en esta región.
Perspectiva: Modo de representar los objetos en una superficie con la misma forma y disposición con la que aparecen en la realidad.
Austeridad: Práctica de vida con rigidez y severidad.
Esfumato: Rebajar los tonos de una composición, logrando cierto aspecto de vaguedad y lejanía.
sábado, 10 de marzo de 2012
Ensayo Arte prehispanico
Por: Rosa
Arte prehispánico
Etapa prehispánica (2000 a.C. - 1521)
La cuenca de México, está delimitada al sur y al poniente por las estribaciones de la Sierra del Ajusco, al norte por la Sierra de Guadalupe y al oriente por los volcanes Popocatépetl e Iztaccíhuatl. Ubicada a 2,240 metros de altura sobre el nivel del mar, esta región lacustre, caracterizada por su suave clima y riqueza de recursos naturales empezó a ser habitada desde tiempos remotos. Varios miles de años atrás, la cuenca de México junto con otras regiones de Mesoamérica fueron el sitio donde se desarrolló una de las más importantes revoluciones agrícolas de la humanidad, cuando se domesticaron en sus tierras el maíz, el tomate, la calabaza, el chile, el chocolate, entre otras importantes especies de animales y vegetales que con el tiempo constituirían parte fundamental de la dieta no sólo en el continente americano sino en amplias regiones de Europa y Asia. Siglos más tarde, alrededor del año 1000 a.C. empezarían a florecer en las riberas del Lago de Texcoco varias villas y pequeñas aldeas dedicadas en un principio a la agricultura pero que con el tiempo verían surgir en ellas otras actividades como la cerámica y el comercio. La raíz de la prosperidad agrícola de estas aldeas estaba basada en el modelo de chinampa, un sistema de explotación intensiva de la tierra mediante la construcción de islas artificiales sobre los lagos de la cuenca que eran fertilizadas por el sieno y la materia orgánica depositada en el lago, y que contaba con una provisión permanente de agua que permitía tener varias cosechas al año. Este modelo agrícola estimuló la consolidación de sociedades teocráticas altamente desarrolladas de entre las cuales destacan especialmente la de Cuicuilco al sur del Valle de México y la de Teotihuacan al norte, esta última llegó a tener más de 100 mil habitantes en su periodo de mayor esplendor, siendo la ciudad más poblada del mundo en su tiempo y centro político, cultural y económico de una de las más influyentes civilizaciones de la América precolombina. Ambas ciudades sufrieron el embate de la fuerzas de la naturaleza, Cuicuilco vio su fin en medio de la lava y las cenizas ardientes del Volcán Xitle. Teotihuacan sufrió una sequía a consecuencia de la sobreexplotación de sus recursos naturales que junto con problemas políticos internos y la llegada de invasores de Aridoamérica, pusieron fin a varios siglos de hegemonía en el México Central.
Cientos de años más tarde, cuando el nombre de estas antiguas ciudades era ya fuente de inspiración de mitos y leyendas, la cuenca de México empezó a recibir nuevos grupos de pobladores pertenecientes a tribus provenientes del norte, que tenían como lenguaje común el náhuatl. Estas tribus se fueron abriendo paso entre los grupos que seguían habitando la región, aprendieron algunas de sus costumbres y técnicas agrícolas, estableciendo varias ciudades que con el tiempo formarían una compleja red de centros productivos y de intercambio comercial en todas las inmediaciones del Lago de Texcoco. Algunas de estas ciudades fueron Azcapotzalco, Culhuacán, Texcoco, Mixcoac y Tlacopan, entre otras, pero especialmente una, la más nuevas de todas, empezaría a adquirir gran poder hasta el punto de prácticamente igualar el esplendor que algún día tuvo Teotihuacan, se trataba de una ciudad fundada en un islote en medio del lago, su nombre era México – Tenochtitlan. México – Tenochtitlan, cuyo nombre significa “en el ombligo de la Luna” fue fundada el 13 de marzo de 1356.Tras aprovechar varias oportunidades tácticas en medio de una serie de conflictos militares entre las ciudades ribereñas del Lago de Texcoco, Tenochtitlan rápidamente se convirtió en centro de un imperio que tras una intensa campaña de expansión amplió sus dominios a tierras tan lejanas como Chiapas y Centroamérica a lo largo de dos siglos, controlando gran parte del territorio de Mesoamérica desde las costas del Golfo de México al este hasta el Océano Pacífico al oeste.
De esta manera, Tenochtitlan creció hasta convertirse en una de las más prosperas y pobladas urbes del siglo XV en el mundo, contando sus habitantes con servicios que eran desconocidos en esa época en la mayoría de las ciudades del viejo mundo tales como agua potable, drenaje, en otros. Sus calles eran amplias y pavimentadas, y estaban organizadas en torno a cuatro calzadas que partían desde una inmensa plaza en el centro de la ciudad hacia los cuatro puntos cardinales dando lugar a una ordenada cuadrícula ortogonal integrada por calles pavimentadas y canales por donde llegaban mercancías tanto de localidades ribereñas como de los puntos más remotos del imperio. En el centro de esta ciudad se ubicaba el centro ceremonial, mismo que se caracterizaba por sus altas pirámides realizadas en mampostería así como por las celebraciones rituales que incluían desde bailes y ceremonias hasta sacrificios humanos. A principios del siglo XVI, en pleno esplendor de Tenochtitlan, un acontecimiento cambió para siempre la ciudad del mundo, el descubrimiento de América y años más tarde la expedición del español Hernán Cortés a territorios de la actual República Mexicana.
Fue así que en 1519, tras haber recorrido gran parte de Mesoamérica con un pequeño ejército de españoles pero aliado con una gran milicia conformada por pueblos indígenas enemigos de Tenochtitlan, pero sobre todo portando consigo algunas enfermedades desconocidas en el Nuevo Mundo, como la viruela, Hernán Cortés fue recibido por el emperador Moctezuma II, quien fue apresado poco después. Tras una serie de levantamientos populares y la expulsión del ejército español, Tenochtitlan fue sitiada en mayo de 1521 y después de sufrir durante tres meses la falta de agua y alimentos, así como el azote de las nuevas enfermedades traídas por los europeos, México – Tenochititlan cayó el 13 de agosto de 1521.
viernes, 9 de marzo de 2012
Mapa conceptual arte romanico y gotico
(Lamentamos haberlo hecho a mano pero, no encontrabamos la imagen, Gracias)
jueves, 8 de marzo de 2012
Ensayo Arte Prehispanico
Por: Claudia Lopez Rivera
ARQUITECTURA
ESCULTURA
PINTURA
Culturas Prehispánicas
Las culturas Mesoamericanas se dividen tres grandes periodos y son: Preclásico de 1800 a. C. a 200 d.C.; en este periodo se desarrollaron las culturas Olmeca, Tlatilco y Cuicuilco principalmente; el periodo Clásico que abarca del año 200 al 800 d.C. y en este periodo se encuentran las culturas Teotihuacán, Maya y Tolteca y el ultimo periodo Posclásico que abarca del año800 a 1521 d.C. (hasta la llegada de los españoles). Todas estas culturas dieron un gran aporte hacia el arte, en las diferentes ramas como en la arquitectura, escultura y pintura.
ARQUITECTURA
Es un conjunto de expresiones arquitectónicas características de los pueblos prehispánicos. Se expresan las grandes plataformas o basamentos y las construcciones monumentales de tipo ceremonial en forma de pirámides escalonada rematadas en su cúspide por pequeños templos. Muchos rasgos de la arquitectura mesoamericana están determinados por conceptos religiosos, litúrgicos y mitológicos dichas pirámides poseían la plaza, los templos sobre grandes basamentos escalonados o pirámides, el juego de pelota y los palacios o casas sacerdotales; uso de del sistema del talud y tablero como remate lateral de muros y plataformas, y utilizaban piedra, madera, arcilla, carrizo y forrajes para poder fijar bien la pirámide. Normalmente consistentes en una pirámide escalonada que conducía a un templo en la cima. Se utilizaban con fines ceremoniales e incluso como observatorios y calendarios astronómico-astrológicos. Ejemplo de ello es durante el periodo Preclásico, las pirámides eran sencillas construcciones o plataformas de barro.
ESCULTURA
Trabajaron con piedras volcánicas, así como con piedras duras y semipreciosas, principalmente con jadeítas traslúcidas de color verde esmeralda, azul verdoso o grisáceo y, en menor escala, la serpentina, la hematita, representaron figuras, símbolos de animales y de plantas como las serpientes, conchas, parojas, los frescos murales constituyen un aspecto de singular importancia también ocuparon esculturas antropomorfas que sostenían con la cabeza el techo de una habitación y sus estelas eran de bajo relieve. Ejemplo de esculturas megalíticas son las Cabezas Colosales de Piedra creadas por la cultura Olmeca y estelas.
PINTURA
Mediante fresco y al temple, sobre todo en colores como el rojo, el amarillo el verde que brillan todavía al sol. Estas pintura representan escenas de tipo religioso, de la vida diaria y de su mitología al igual que Murales policromos que representan la vida diaria, ceremonias tradicionales y los rituales más importantes de los habitantes de esta cultura.
Tabla Comparativa
Culturas Prehispanicas
CULTURA | U. TEMPORAL | U. GEOGRAFICA | PINTURA | ESCULTURA | ARQUITECTURA |
Olmeca | Preclásico | Abarca la parte sureste del estado de Veracruz y el oeste de Tabasco | Existe una pequeña muestra de pintura mural, aunque fuera del área central. En las cuevas de Oxtotitlán y Juxtlahuaca (Guerrero) existen escenas que representan posibles ceremonias elitistas con simbología olmeca. | Las Cabezas colosales Olmecas * Trabajaron con piedras volcánicas, así como con piedras duras y semipreciosas, principalmente con jadeítas traslúcidas de color verde esmeralda, azul verdoso o grisáceo y, en menor escala, la serpentina, la hematita y hasta se han encontrado en La Venta cuentas de amatista y de cristal roca | Estaban construidas con materiales perecederos, como son el adobe, el barro y la paja. Sus calles estaban dispuestas de norte a sur, sus edificios más importantes se situaban en torno a grandes espacios abiertos, y el resto de edificios se disponían en torno al centro ceremonial. |
Teotihuacana | Clásico | Noreste del valle de México | Fresco y al temple, sobre todo en colores como el rojo, el amarillo el verde que brillan todavía al sol. Estas pintura representan escenas de tipo religioso, de la vida diaria y de su mitología | Representan figuras, símbolos de animales y de plantas como las serpientes, conchas, parojas, los frescos murales constituyen un aspecto de singular importancia principalmente en el templo de la agricultura y en los edificios de Tetitla y Tepantitla | Es geométrica, austera y rectangular |
Tolteca | Clásico | Hidalgo | Referentes a su vida cotidiana, rituales, dioses, belicas | Empleo de esculturas antropomorfas que sostenían con la cabeza el techo de una habitación | Elementos arquitectónicos más significativos esta la pirámide B con sus llamados "atlantes |
Zapoteca | Posclásico | Oaxaca | Murales policromos que representan la vida diaria, ceremonias tradicionales y los rituales más importantes de los habitantes de esta cultura. | Estelas, bajo relieve | Trabajaban la piedra, especialmente en los diseños decorativos que abundan en su arquitectura y profusa decoración tipo mosaico, tableros y grecas. |
Exposicion prehispanica
Tlaxcaltecas
Los tlaxcaltecas pertenecen al grupo nahua, habitaron la altiplanicie Mexicana en el periodo precolombino, teniendo su máximo apogeo hacia el siglo IV a.C.
El eje primordial de su sociedad estaba formado por la clase sacerdotal los que, tradicionalmente adoraba al todopoderoso Huehueteotl
El eje primordial de su sociedad estaba formado por la clase sacerdotal los que, tradicionalmente adoraba al todopoderoso Huehueteotl
Organizados aproximadamente del siglo XIII como una república de carácter confederal, se asentaron en los territorios que configuran el actual estado de Tlaxcala ("lugar del pan" o "lugar de la tortilla del maíz"). Dependientes del comercio de la zona mantuvieron una larga situación de enfrentamientos con los vecinos aztecas, debido a la expansión del control comercial de éstos.
Algunas de las artesanías tienen sus orígenes en la época prehispánica como es el caso de los textiles que se hacían en telares de cintura y con técnicas muy rudimentarias. Limpiaban y maceraban las fibras del maguey, palma, lechuguilla y algodón, hasta hacerlas flexibles, después las teñían con colorantes vegetales o minerales.
ARQUITECTURA
Xochitécat. La zona esta construida por cuatro pirámides o basamentos: pirámide de las flores, edificio de la serpiente, la espiral y el basamento de los volcanes. La pirámide de las flores es la de mayores dimensiones y la que presenta la secuencia cultural más completa: desde el período formativo medio hasta la época colonial. Aportó el más alto índice y variedad de materiales: más de 30 entierros infantiles, uno sólo de individuo adulto y ricas ofrendas y esculturas.
MURALES
El mural del maíz expresa "El hombre primitivo, nómada y cazador descubre el teozintle o maíz divino y después de cultivarlo por milenios lo transforman en nuestro maíz que año tras año cubre maravillosamente toda la superficie de nuestra tierra desde tiempo inmemorables. El centli o maíz, germen de nuestra fuerza, fue el creador de nuestras grandes culturas precolombinas. Fue considerado como mazorca de oro. Y en sus múltiples formas fue y sigue siendo el alimento principal en México. "
El mural del maguey dice "El netl o maguey es el árbol de las maravillas de donde se extraen muchas cosas, un licor como agua miel que fermentando en tinaja se convierte en uno vino que bebido templadamente es muy saludable. De esta rica planta también se extrae fibra para hacer vestido, calzado, mantas, capas, cordeles, sogas e hilos de coser y a falta de madera sus hojas sirven para construir un hogar y además también generan alimento y medicina múltiple. Toda la tierra mexicana está llena de netl."
Explicaion obra del arte Renacentista
Por: Claudia Lopez Rivera
“El Moises” Miguel Angel
Es una escultura renacentista del siglo XVI, pertenenciente a la etapa de Cinquecento en Italia. Es la figura central de la tumba del Papa Julio II, que se encuentra en la iglesia de San Pedro in Víncoli, en Roma. Fue realizada en 1515 por Miguel Ángel Buonarotti, escultor florentino.
Está realizada en mármol blanco de Carrara y se trata de una escultura exenta o de bulto redondo, de cuerpo entero y sedente, auque dada la configuración del sepulcro (tipo fachada adherido al muro), la obra sólo puede ser contemplada frontalmente.
Se puede observar en esta escultura las características del estilo renacentista: búsqueda de la belleza ideal, acentuado naturalismo, interés por la figura humana y su anatomía (el cuerpo como expresión del ideal humanista de virtud y fortaleza y no como depósito del pecado, como era percibido en la Edad Media), tal como corresponde a la cultura antropocéntrica del periodo humanista; al igual que en la Antigüedad clásica, se crean: composiciones equilibradas, armoniosas, movimiento en potencia, perfección técnica. Todas estas características, no obstante, han de ser matizadas según la naturaleza de la obra y el autor del que se trate, ya que Miguel Ángel es, en sí mismo, un caso excepcional por la calidad de sus obras y la evolución estilística que ofrece en su larga vida: desde el idealismo clásico de influjo donatelliano hasta lel dramatismo de sus obras de madurez o la distorsión (anticlásica) de sus últimas versiones de la Pietá, antecedentes ya del Barroco
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